[EN DIRECT] Nelly Monnier et Hélène Paris, La condition Géographique, le Lieu minuscule, Reims - Point contemporain. Quel a été le point départ de ce projet commun ? Comment vous êtes-vous rencontrées ? Nelly : D’abord, on s’est très certainement connues grâce à l’algorithme de Facebook qui a dû déceler nos amis et intérêts communs. Et il n’avait pas tort ! Quelques mois ont passé avant que je ne propose à Hélène d’entamer une correspondance dessinée, par mail et par voie postale. J’aimais beaucoup les débuts de narration qu’elle était capable d’enclencher, les extractions de réel qu’elle agençait parfois jusqu’à l’absurde.
Et puis quand on rencontre une personne enthousiaste, ça donne forcément envie de travailler, c’est un premier gage de complicité. Hélène : Quand Nelly m’a fait cette proposition, j’ai tout de suite accepté. Pouvez-vous nous décrire en quelques mots vos parcours respectifs ? Nelly : Un peu plus au sud, j’ai grandi dans le département de l’Ain et étudié aux Beaux-Arts de Lyon, essentiellement en atelier peinture mais aussi en écriture et photographie. À lire aussi. Complètement Parreno. Les lumières s’éteignent, le piano se met à jouer tout seul, des visages, objets fluorescents, apparaissent sur les murs, formes à peine nées, avant de mourir doucement : il leur faut une nouvelle clarté pour qu’elles s’estompent de nouveau. Espace de la mémoire. Enfance du temps. Dans un coin, une machine multicâblée écrit sur des feuilles de papier, griffonne des têtes, recouvre ce qu’elle vient de faire d’autres traits.
Dans la même pièce, une bibliothèque où se distinguent les noms de Bret Easton Ellis ou Salinger pivote et découvre une chambre éclatante. Claques. Poursuivons néanmoins, puisqu’aucune photo ne peut rendre compte de cette expérience volontairement vacillante. Dans les entrailles de Tokyo, la célèbre salle 37, redécouverte telle la chambre jaune du Mystère, projette le film d’animation Anywhere out of the World (2000). Pantomime. On peut chercher la source, le moteur, la salle des commandes de ce drame total : elle est visible au niveau -1. Les gardiens d’exposition face au trouble suscité par Huyghe et Parreno. Dans la galerie Sud du Centre Pompidou, la chaise du gardien est placée à côté d’une plante verte. Mais de gardien, nenni. Il court dans l’exposition d’art contemporain de Pierre Huyghe à la rencontre des visiteurs pour les empêcher de toucher les oeuvres, et même d’enfouir leurs mains dans une montagne de sable fuchsia. “Le caractère inhabituel de l’exposition incite les gens à transgresser les règles et à toucher à tout : ils oublient qu’ils sont dans un musée !”
, explique Emilie, l’une de ces gardiens jamais au repos. Il faut dire que l’artiste conceptuel français Pierre Huyghe et son ami Philippe Parreno - auquel le Palais de Tokyo a donné carte blanche, au même moment - ont transformé la notion même d’exposition, donnant ainsi la pleine mesure du renouveau qu’ils ont apporté dans le champ de l’art.
Les oeuvres présentées y ont moins d’importance que les situations qu’elles créent chez celui qui les regarde ou les traverse. L’excitation est à son comble Pour en savoir plus: Parreno joue les illusionnistes au Palais de Tokyo. Pierre Huyghe au Centre Pompidou : “J'intensifie ce qui est là” Il y a un chien dans l’exposition de Pierre Huyghe au Centre Pompidou. Ce n’est pas un chien comme les autres, non. “C’est LE chien”, nous dit Pierre Huyghe. Le même qu’on avait déjà pu voir à la Documenta de Kassel l’an dernier, évoluant dans un coin de paysage, sur un terrain vague poétisé par l’artiste. C’est un beau lévrier blanc, forcément élégant, déjà esthète, mais avec une particularité notable : une de ses pattes est tatouée en rose fuchsia.
Il y a aussi des personnages dans l’exposition de Pierre Huyghe. Il y a une patinoire dans l’exposition de Pierre Huyghe. Il y a des conséquences à cela : “Du coup, le terme de spectateur ne convient pas à ce que je fais. Il nous dit encore : “J’ai de moins en moins envie de faire une ‘exposition’. On disait : Pierre Huyghe est dans le récit. Dans l’exposition de Pierre Huyghe, les choses bougent et le regard change. Dans la rétrospective de Pierre Huyghe, on imagine l’exposition sans visiteurs.
Parreno au Palais de Tokyo : “Une timeline de l’espace” Vous êtes prévenus, une fois franchi le seuil du Palais de Tokyo, l’expérience devrait durer en moyenne deux heures. Deux heures – il n’y a pas de hasard –, c’est à peu près le temps d’une séance de cinéma. Pas de hasard car à près de 50 ans, Philippe Parreno fait partie de cette génération d’artistes qui, dans les années 1990, a fait éclater le carcan de l’art pour regarder du côté des formats télévisés ou cinématographiques et jouer dans tous les sens avec l’exposition, entendue ici comme un médium spécifique, un mode d’expression, un art à part entière.
Pas de hasard donc si en traversant les 22 000 mètres carrés du Palais de Tokyo où on lui a donné carte blanche, le montage de l’exposition ressemble à s’y méprendre à un gigantesque plateau de cinéma où s’affaire une équipe de techniciens. “Comment une forme devient-elle publique et comment se soustrait-elle au public ? Qu’est-ce qui se produit comme mémoire ? Qu’est-ce qu’un visiteur garde en tête et qu’est-ce qu’il oublie ? Pierre Huyghe ou l'exposition en soi - La République de l'Art. Je dois l’avouer : jusqu’à présent, je n’étais pas très sensible à l’art de Pierre Huyghe. Ann Lee, la figure de manga abandonnée dont il avait racheté les droits avec Philippe Parreno pour lui donner une nouvelle vie (No Ghost Just a Shell), n’avait pas suscité chez moi la même pamoison que chez bon nombre de mes contemporains.
Blanche Neige Lucie, la vidéo qu’il avait réalisée avec l’actrice qui avait été utilisée pour doubler Blanche Neige et qui faisait un procès aux studios Disney parce qu’elle n’avait pas perçu les droits que lui ouvrait son interprétation, ne m’avait pas plongé dans des abîmes de réflexion sur la question de l’identité et du droit d’auteur.
La patineuse, le light-show et un tas de glace (reste du bateau fondu ?) Subissant lui-aussi les intempéries se retrouvent dans la rétrospective de l’artiste qui vient de s’ouvrir au Centre Pompidou. Reste une question : les œuvres deviennent-elles plus lisibles à la faveur de cette confrontation ? Géométrie Variable - Officiel. Géométrie Variable - Officiel. New Hyperrealistic Sculptures by Ron Mueck. Ron Mueck’s Studio, January 2013. Photo by Gautier Deblonde. Photo by Thomas Salva courtesy Fondation Cartier pour l’art contemporain. Hyperrealist sculptor Ron Mueck works in the realm of the ultra-real where he spends hundreds of hours perfecting the shape of the human form, the appropriate color of skin, and the most realistic hair texture.
All of his efforts culminate in incredibly lifelike figurative sculptures with one small (or large) exception: the artworks are often gigantic or miniaturized, resulting in an uncomfortable “does not compute” moment when trying to comprehend exactly what you’re looking at. Each sculpted person is as bizarre as it is amazing, in part because of the raw intimacy portrayed in their faces, as if we are somehow witnessing the documentation of a private moment.
Like several other hyperrealist sculptors Mueck began his sculpting career in entertainment where he started work as a puppeteer, creating models and puppets for children’s movies and TV shows. Dossier_pedagogique_dynamo.pdf.