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Daniel Arasse - Histoire de peintures Colloque en hommage à Daniel Arasse (ENS Ulm juin 2006) les audios et les vidéos semblent disponibles via Internet Archive Ouverture Le clin d’œil de saint Sébastien (le 8 juin 2006) - Karim Ressouni-Demigneux Le reflet, un détail-emblème de la représentation en peinture (XVe-XVIe siècles) - Diane Bodart La question du regard dans les œuvres tardives de Giovanni Bellini - Philippe Morel Voir ne pas voir - Hubert Damisch La part de l’oeil - Diane Bodart, Hubert Damisch, Éric Darragon, Philippe Morel et Karim Ressouni-Demigneux Discussion suite à la séance présidée par Éric Darragon Eheu vincit Venus: Love and Desire in 16th century Florence - Elizabeth Cropper The Passion of Adonis - David Rosand Nicolas Poussin and the Invention of the Mythological Idyl - Charles Dempsey L’érotique arassienne - Yves Hersant Figures de l’amour - Jean-Loup Bourget, Elizabeth Cropper, Charles Dempsey, Yves Hersant et David Rosand Discussion suite à la séance présidée par Jean-Loup Bourget Vaporisation vs.

Peter Fischli et David Weiss Le 27 avril dernier, la mort de David Weiss (né en 1946, à Zurich) est discrètement annoncée par les médias. Une série de modestes hommages est rendue sur la toile, les réseaux sociaux, comme dans la vie. Sculpteur et dessinateur, il mène une première partie de sa carrière en solo, jusqu’à sa rencontre avec Peter Fischli (né en 1952, à Zurich) avec qui il a travaillé pendant trente trois années. Une intense collaboration qui a donné vie à une œuvre décalée, poétique, caustique, critique et ironique. Ensemble, ils sont parvenus à survoler les pratiques contemporaines tel un ovni loufoque et complexe dont l’œuvre interroge non seulement les institutions culturelles et médiatiques, la critique, le marché, mais aussi l’art en lui-même : sa construction, ses classifications et ses normes. Ils n’ont eu de cesse de placer leur travail dans une marge, un espace de liberté et d’intransigeance critique.

Ilya et Emilia Kabakov : l’étrange cité : Monumenta 2014 ; Ilya et Emilia Kabakov 1Publié à l’occasion de l’édition 2014 de Monumenta, Jean-Hubert Martin signe ici la première monographie française d’Ilya et Emilia Kabakov. Témoin direct de la situation artistique en Union soviétique, Jean-Hubert Martin a rencontré Ilya Kabakov à la fin des années 1970 lors de la préparation de l’exposition Paris-Moscou 1900-1930 (Paris : Centre Pompidou, 1979. Sous le commissariat de Pontus Hulten et Stanislas Zadora). Bien que considéré comme le représentant, voire le leader de l’école conceptuelle moscovite, Ilya Kabakov a créé une œuvre qui dépasse largement ses réductions formelles. La machine dans l’art Machine à rêver, machine volante, machine à peindre, machine à calculer, machine à remonter le temps, l’homme a, de tous temps, rêvé d’accroître sa puissance en inventant de tels instruments. Mais il y a son revers avec les machines de guerre, les machines à tuer, les machines à torturer. Comme dans toutes les inventions scientifiques, la machine peut revêtir un côté positif mais aussi un négatif. Qui n’a pas utiliser l’expression Deus ex machina ?

Sol LeWitt. Dessins muraux de 1968 à 2007 Le Centre Pompidou-Metz met à l’honneur l’artiste conceptuel américain Sol LeWitt (1928-2007) en lui dédiant un projet inédit. En Galerie 2, sur une superficie de 1 200 m2, est présentée une rétrospective des wall drawings (dessins muraux) de Sol LeWitt d’une envergure sans précédent en Europe : avec ses trente-trois oeuvres murales, parcourant la carrière de l’artiste de ses débuts à ses dernières réalisations, l’exposition du Centre Pompidou-Metz propose l’ensemble de wall drawings le plus important jamais présenté en Europe. À la faveur d’un partenariat exceptionnel avec des écoles d’art et d’architecture du Grand Est, la réalisation des wall drawings au Centre Pompidou-Metz illustre parfaitement le principe de collaboration au coeur de la pratique de l’artiste. En 2013, le Centre Pompidou-Metz présente Sol LeWitt collectionneur. Un artiste et ses artistes.

D’après De Kooning, Willem (1904 – 1997) – TABLEAUX DISPARUS Avec Erased de Kooning Drawing (1953), Robert Rauschenberg, un artiste américain néo-Dada, admirateur de Marcel Duchamp, adepte de l’art performant, avait envisagé de produire une œuvre qui serait le résultat, non d’ajouts de matériau sur un support, mais qui serait dû au retrait de ce qui rendait l’œuvre visible. Rauschenberg a d’abord essayé d’effacer ses propres dessins, Mais cela ne pouvait le satisfaire. Il lui fallait réaliser un acte négatif en s’affrontant à une œuvre de valeur incontestable. Comme Duchamp avec la Joconde, il s’agissait pour lui de provoquer le public avec humour, et pour cela de se confronter à l’œuvre d’un artiste reconnu. Il se tourna vers Willem de Kooning (1904-1997), chef de file de l’expressionnisme abstrait, un artiste pour qui il avait un énorme respect ; il lui a demandé de lui confier un dessin à seule fin de l’effacer.

Marina Abramovic et Ulay, le couple mis en tension Le « couple » Marina Abramović et Frank Uwe Laysiepen, alias Ulay, se forme en 1976, après une rencontre fulgurante en décembre 1975, alors que Marina Abramović réalise une performance à Amsterdam. Tous deux nés un 30 novembre, ils ont, douze ans durant, une relation symbiotique et une pratique artistique totalement dévouée à la performance. Ils font de leurs corps leur médium, parlant d’eux-mêmes comme d’un « androgyne ». Happenings — Fluxus : De l'action painting à l'action de rue - L’article de Kaprow fut précédé par celui d’Harold Rosenberg (3) — The American Action Painter — qui paraissait en décembre 1952. Rosenberg allait définir le terme d’Action Painting ainsi qu’un ensemble d’idées liées à ce terme dans la revue Possibilities, fondée par Cage, Motherwell et Rosenberg lui-même : la toile comme «arène», comme «événement», «qui est un acte», «inséparable de la biographie de l’artiste». Pollock représentait ainsi le type même du «peintre d’action» (tel qu’on peut le voir dans le film de Hans Namuth) (4). Cette pratique du dripping, de la toile comme «peinture-action» en effet brisait toute distinction entre l’art et la vie, comme le souligne Harold Rosenberg : «Pour chaque Américain, il arriva un moment où la toile lui apparut comme une arène offerte à son action. Ce qui devait se passer sur la toile n’était pas une image, mais un événement (5) ».

Jean Tinguely; Niki de Saint Phalle Le Cyclop - La Tête Maquette 1986 Jean Tinguely; Niki de Saint Phalle Le Cyclop - La Tête Maquette Matériel / Technique: Ferraille, miroirs Dimensions: 180 x 240 x 110 cm Size: 11301 Inv.Number: Bischofberger 0741 Creditline: Musée Tinguely, Bâle, Donation Niki de Saint Phalle Le "bleu" gangster de Monory Tandis que les réseaux sociaux bruissaient autour du « clair-obscur » de l’allocution présidentielle : Le Tintoret ? Rembrandt ? D’où venait l’inspiration d’un tel éclairage ?

L’Intelligence artificielle, nouveau monde du marché de l’art? Les « machines à créer » ce n’est pas nouveau. En 1959, déjà, Jean Tinguely présentait un « robot artiste abstrait » : Sa « machine à dessiner » était une sculpture automatisée armée de crayons, de feutres ou de pinceaux, secouant son bras d’acier sur une feuille dans un mouvement aléatoire, jusqu’à produire une œuvre.

Programmed: Rules, Codes, and Choreographies in Art, 1965–2018 Programmed: Rules, Codes, and Choreographies in Art, 1965–2018 establishes connections between works of art based on instructions, spanning over fifty years of conceptual, video, and computational art. The pieces in the exhibition are all “programmed” using instructions, sets of rules, and code, but they also address the use of programming in their creation. The exhibition links two strands of artistic exploration: the first examines the program as instructions, rules, and algorithms with a focus on conceptual art practices and their emphasis on ideas as the driving force behind the art; the second strand engages with the use of instructions and algorithms to manipulate the TV program, its apparatus, and signals or image sequences.