Cinéma expressionniste Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Le cinéma expressionniste est une forme de cinéma qui s'est développée en Allemagne dans les années 1920. Le cinéma expressionniste[modifier | modifier le code] Dans les années 1920, le mouvement dada provoque une révolution dans le monde artistique et les différentes cultures européennes prônent un changement et le désir d'envisager le futur par l'expérimentation d'idées et de styles nouveaux et révolutionnaires. Les premiers films expressionnistes se passaient de gros moyens en faisant usage de décors abstraits, aux motifs géométriques absurdes, et de dessins sur les murs et les planchers destinés à représenter les lumières, les ombres et les objets divers. Les sujets abordés concernaient souvent la folie et d'autres troubles mentaux, la trahison, ainsi que d'autres sujets spirituels, en opposition avec les films que l'on pouvait voir alors, sur des thèmes romanesques et d'aventure. Principaux réalisateurs[modifier | modifier le code]
Roméo + Juliette | Le Monde de Squizzz Romeo + Juliet De Baz Luhrmann Sortie le 9 avril 1997 Pour la Saint Valentin, la plus grande histoire d’amour de tous les temps s’invite sur Le monde de Squizzz, et qui plus est dans sa version la plus ambitieuse, celle de l’australien Baz Luhrmann. En transposant l’œuvre de Shakespeare de nos jours, le réalisateur a voulu rendre un vibrant hommage à l’intemporalité du récit. Et il n’est pas peu dire que c’est réussi, car quinze ans après sa sortie, le film n’a rien perdu de sa force et de sa modernité. Le prologue Luhrmann transforme le prologue de Shakespeare en une sorte de programme de théâtre qui présente en quelques mots la pièce qui va suivre ainsi que ses personnages. La rixe Le film s’ouvre sur le légendaire combat entre Montaigu et Capulet. Les présentations de Roméo et Juliette Chacun des deux personnages va être présenté au cours d’une scène à l’atmosphère reflétant parfaitement le personnage. Le coup de foudre La scène du balcon Les morts de Mercutio et Tybalt Le final
Grammaire du cinéma | Roméo + Juliette Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Roméo + Juliette ou Roméo + Juliette de William Shakespeare au Québec (William Shakespeare's Romeo + Juliet en version originale) est un film américain réalisé par Baz Luhrmann en 1996. Ce film est l'adaptation cinématographique de la tragédie théâtrale Roméo et Juliette de William Shakespeare. Il fait partie de la Trilogie du rideau rouge avec Ballroom Dancing et Moulin Rouge !. Le réalisateur transporte Vérone dans un quartier chaud des États-Unis, dans un décor du XXe siècle, tout en conservant le texte original (même s'il est en grande partie raccourci). Synopsis[modifier | modifier le code] L'histoire d'amour la plus célèbre de tous les temps, transportée dans un quartier chaud des États-Unis. Fiche technique[modifier | modifier le code] Distribution[modifier | modifier le code] Autour du film[modifier | modifier le code] Bande-Originale[modifier | modifier le code] Références[modifier | modifier le code]
Histoire du cinéma Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Cet article retrace les grandes étapes qui jalonnent l'histoire générale du cinéma. Origines du cinéma[modifier | modifier le code] Le cinéma naît à la fin du dix-neuvième siècle. Dans de nombreux articles et livres, on peut lire encore aujourd'hui, et plus spécialement en France, que « les inventeurs du cinéma sont les frères Lumière[1] ». En fait, ils ont mis au point et fait construire une machine permettant d'enregistrer et de projeter des vues photographiques en mouvement, qu'ils ont baptisée le Cinématographe. En français, l'apocope de la marque déposée Cinématographe, le cinéma, va s'imposer dans le langage courant en quelques années. Construire la machine appelée « le Cinématographe » ne revient pas à inventer ce qui est au cœur du 7e Art, son essence même : les films (d'après une déclaration signée de Dickson, c'est Edison qui, le premier, adapte le mot anglais film aux œuvres de cinéma). Précinéma[modifier | modifier le code]
Romeo + Juliet (1996 Bulletin Officiel Oeuvre cinématographique inscrite au programme de l'enseignement de lettres en lycée NOR : MENE9803108N RLR : 524-7 NOTE DE SERVICE N°98-254 DU 10-12-1998 MEN, DESCO A3 Texte adressé aux recteurs d'académie ; aux inspecteurs pédagogiques régionaux - inspecteurs d'académie ; aux chefs d'établissement ; aux professeurs o Une œuvre cinématographique, la Règle du jeu de Jean Renoir, est inscrite au programme de l'enseignement de lettres pour l'épreuve correspondante du baccalauréat général (B.O. n° 29 du 16 juillet 1998). Enfin, vous trouverez ci-après des recommandations pour l'étude d'une œuvre cinématographique dont le contenu est de nature à vous apporter une aide méthodologique pour la conduite de ce travail dans l'enseignement des lettres. Étude d'une œuvre cinématographique dans l'enseignement des lettres L'étude d'un film au lycée associe trois types d'investigation : l'analyse du récit, l'analyse stylistique, l'étude des contextes. L'analyse du récit filmique porte sur : Terminologie
Romeo + Juliette, Baz Lurhmann Qui pourrait ignorer l’histoire de Roméo et Juliette ? Non pas la pièce de William Shakespeare, que bien peu ont pris la peine de lire, mais l’histoire d’amour tragique et universelle qui est entrée au panthéon des plus grandes histoires d’amour. Difficile, dès lors, de l’adapter en étant original, mais c’était pourtant l’objectif de Baz Lurhmann. Le cinéaste australien qui s’est surtout fait connaître avec le succès de Mounlin Rouge, son film suivant, fait ici un pari risqué. Romeo + Juliette reprend non seulement l’histoire originale, mais aussi le texte original dans une version légèrement adaptée et raccourcie. Dans Romeo + Juliette, tous les personnages principaux de la pièce de Shakespeare sont là, mais le contexte a quelque peu changé. Les adaptations de Roméo et Juliette ne manquent pas. Le résultat aurait été plutôt satisfaisant ainsi et Romeo + Juliette aurait constitué une version moderne et décalée réussie. Moulin Rouge ! Dans Moulin Rouge ! Dans "À voir"
artsplas.mangin.free.fr/ressource___le_commentaire_de_film_15681.htm Dominique Leblanc – 2007 – collège Mangin, Sarrebourg Fiche élève Exercice d’analyse de film (50 mns) Qu’est-ce qu’un commentaire de film ? Le commentaire de film est une étude approfondie d’un court ou d’un long métrage (film, publicité, dessin animé, documentaire, etc..). Cette étude prendra ici la forme d’un texte, appuyé par un ou plusieurs schémas. Un vocabulaire adapté est souhaitable : plans, séquence, décor, montage, scénario, travelling, moment-clé, timing… La description du scénario (les éléments qui le composent sont identifiés, restitués dans leur contexte) précède l’analyse plastique, formelle (rythmes, contrastes, couleurs, etc.). Cette interprétation s’appuie sur l’analyse plastique faite précédemment : pourquoi telle ou telle séquence est-elle en noir et blanc, d’où vient cette impression d’inquiétude dans celle-ci, quel est le rôle de la musique par rapport à l’action, quel est le rôle exact des différents personnages, que symbolisent-ils ? 1. Que savez-vous du film ? 2. 3.
Predikativ Da jeg skrev om infinitiv og regler knyttet til hvorvidt verb i infinitiv får å framfor seg eller ikke, skrev jeg at jeg skulle komme tilbake til temaet predikativ senere. Og nå er vi her. Først må jeg begynne med å si at predikativ ikke er en ordklasse. Dette er navnet på en funksjon i setningen, det vi ofte kaller et setningsledd. (Dersom du ikke husker forskjellen på ordklasse og setningsledd kan du se her.) Det betyr at det er et begrep vi bruker i blant annet setningsanalyse. Vi har to typer predikativ; Subjektspredikativ og objektspredikativ. Eksempel 1: I eksempelet ovenfor har vi en kort setning som består av tre setningsledd. Eksempel 2: Eksempel 2 viser en setning med objektspredikativ. Hva + verbal + subjekt. Hva heter han? Svaret er Peter. Det betyr at Peter er objekt eller predikativ.
L'image-mouvement, l'image-temps par Gilles Deleuze L'image-mouvement est la manière de faire participer le spectateur au temps du film en excitant ses fonctions sensori-motrices. Dans un film fait d'une immense image-mouvement, on peut trouver six types d'image (l'image-perception, l'image-action, l'image-affection, l'image-pulsion, l'image-reflexion et l'image-relation), chacune d'elles possédant plusieurs signes de reconnaissance. En privilégiant, telle ou telle type de ces six images, on obtient trois grands types de cinéma : le cinéma réaliste avec ses trois types d'images-mouvements (perception, action, affection), le cinéma naturaliste avec l'image-pulsion et le cinéma moderne qui joue sur la rupture des liens sensori-moteurs pour proposer des images mentales dont Alfred Hitchcock est le précurseur. Celui-ci invente en effet l'image-relation et l'image-réflexion. Dans le cinéma classique c'est ainsi l'image-mouvement qui prédomine. Le cinéaste moderne, comme le peintre moderne, privilégie l'art à la beauté. L'image mouvement
Analyse stylistique: la question de l'interprétation - Parenthèse vidéoludique Hier, j’ai regardé Eyes Wide Shut (Kubrick, 1999) avec Marie, film dont je devais m’imprégner à nouveau pour en faire éventuellement une analyse autour de la question du mythe (dans mon cours Mythologies du cinéma donné par Julie Beaulieu). Après le visionnage complet, je propose quelques pistes de réflexion par rapport à une certaine « interprétation » du film. Ma blonde argumente que je vais peut-être « trop loin » par rapport à tout ça, et que les prémisses de cette pré-analyse sont celles que j’ai une certaine idée du réalisateur et que je ne pourrais pas admettre que tout n’ait pas un « sens ». Elle apporte par ailleurs le point que je tente trop d’aller vers une « interprétation », idée qui n’est pas inhérente à une œuvre, contrairement à, par exemple, l’analyse de l’effet d’une œuvre, qu’elle prise comme approche en Histoire de l’art. Opposition intéressante, qui m’a fait réfléchir: à la fonction d’une analyse (interpréter un film?)
Alfred Hitchcock Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Alfred Hitchcock Après une carrière à succès dans son pays natal à l'époque du cinéma muet et au début du cinéma sonore, Hitchcock part s'installer à Hollywood. Le 20 avril 1955, il acquiert la citoyenneté américaine[1], mais il conservera sa citoyenneté britannique, qui lui permettra, au soir de sa vie, d'être anobli par la Reine. Doué par ailleurs d'un sens aigu de l'autopromotion — notamment au travers de ses caméos — , Hitchcock demeure aujourd'hui l'une des personnalités du XXe siècle les plus reconnaissables et les plus connues, à travers le monde. Alfred Hitchcock était Knight Commander (chevalier commandeur) de l'Ordre de l'Empire britannique. Biographie[modifier | modifier le code] Enfance[modifier | modifier le code] A Hitchcock Thriller. Alfred Joseph Pierre Hitchcock naît en 1899 à Leytonstone, dans la banlieue nord-est de Londres. En 1914, année de la mort de son père – Hitchcock a alors quatorze ans –, il quitte le collège St.
La Règle du jeu de Jean Renoir (1939 Se confronter à une œuvre telle que La Règle du Jeu, plus de soixante ans après sa première sortie en salles, et suite aux centaines d’analyses et de commentaires éclairés venus des quatre coins du monde, n’est pas une tâche facile. Le chef-d’œuvre de Jean Renoir, régulièrement placé dans les listes des plus grands films de l’histoire du cinéma, en impose donc par sa stature et sa renommée. Pourtant, loin d’apparaître comme un objet froid et distant, le film en lui-même s’offre comme un pur délice, brillant, léger et piquant, un spectacle intelligent et enlevé qui procure un plaisir des sens immédiat avant de fournir son lot de richesses thématiques et un sentiment diffus d’éternité grâce à son mélange de comédie et de tragédie. C’est d’ailleurs ainsi que le film a été pensé, comme un "drame gai", selon les propres termes de son réalisateur. A la fin des années 1930, Jean Renoir reste sur des succès critiques et commerciaux retentissants.