Jodie Foster, 15 ans à peine | Ina.fr, le BlogNote Présidée par Jodie Foster et animée par Antoine de Caunes, la 36e nuit des césars se déroulera au Théâtre du Châtelet, à Paris ce vendredi 25 février. Pour l’occasion, retour en vidéos sur les débuts de la belle américaine. Été 1977: Jodie Foster, 15 ans à peine, tourne “Moi, fleur bleue”, comédie dramatique d’Éric le Hung aux côtés de Bernard Giraudeau et de Jean Yanne. Interviewée place du Trocadéro entre 2 figures de skateboard, la pétillante actrice n’est nullement impressionnée par les assauts de ses petits admirateurs: [VIDEOINA] Un an plus tôt, c’est à Cannes qu’elle venait présenter Taxi driver, le film de Scorsese qui l’a révélée au grand public et qui obtiendra la palme d’or du festival. [VIDEOINA] Place à la chanson!
Une Morceau d'Anthologie : Jean Gabin dans une scène-délire ! Autour de Chaplin : sitographie collaborative Le futur antérieur de Terry Gilliam M le magazine du Monde | • Mis à jour le | Par Samuel Blumenfeld Terry Gilliam n'est pas en phase avec son époque. Cela ne l'empêche pas de la mettre en scène et même d'anticiper le monde dans lequel lui ou ses enfants évolueront. C'était le cas dans les années 1980 avec Brazil (1985) ; dans les années 1990 avec L'Armée des douze singes (1995). Pourtant, le futur ne génère pas plus d'angoisses que cela à l'ancien membre des Monty Python. Il y a vingt ans, quand il se heurtait avec un producteur – ce fut le cas sur Brazil et sur Le Baron de Münchausen, qui donnèrent lieu à de nombreux bras de fer avec ses commanditaires –, il avait néanmoins un individu en face de lui. Ce qui pose un problème au cinéaste n'est pas le lendemain mais le présent. Terry Gilliam continue de payer sa place pour aller voir certains de ces films, histoire de s'efforcer à saisir ce qui se passe, même s'il finit invariablement par conclure qu'il ne comprend rien.
L'odyssée du cinéma : Dossier sur Les Tueurs d'Hemingway : Deux versions cinématographiques I. Les Tueurs de Robert Siodmak (1946) 1. Le film est clairement divisé en deux parties. Bien que le film semble plus noir que la nouvelle, Siodmak a conservé la plupart du texte d'origine, ce qui permet à la scène d'ouverture d'être très représentative de la nouvelle. Il est difficile de parler d'autres changements puisque la majorité du film n'est pas l'adaptation de la nouvelle d'Hemingway mais un prolongement qui s'efforce de recréer l'histoire du Suédois. 2. Visuellement, le spectateur est immédiatement confronté au film noir. Comme dans de nombreux films noirs (Assurance sur la mort de Billy Wilder), l'enquête est mené par un inspecteur pour l'assurance. Le personnage de Kitty interprété par Ava Gardner est une femme fatale, typique du film noir. II. 1. D'abord destiné à la télévision, A bout portant est finalement sorti au cinéma à cause de sa violence. A bout portant conserve l'aspect fataliste présent dans la nouvelle et l'étend jusqu'à obtenir un sentiment de nihilisme. 2. Erin
fantastique_dossier-2.pdf Philosopher avec Fellini (4/4) : Amarcord Amarcord signifie en romagnol "je me souviens".Jean-Max Méjean éclaire pour nous aujourd'hui ce film de Fellini, fellinien au possible. Fellini ne souhaite pas que l'on comprenne son film comme autobiographique et se défend de s'être inspiré de sa jeunesse pour créer le personnage de Titta. Au contraire, il dit avoir voulu dépeindre le fascisme italien, mélange de province et d'adolescence. Dans le même temps, il parle du fascisme psychologique du film et refuse d'affirmer que ce fascisme est historique. Comment comprendre toutes ces affirmations en apparence contradictoires ? Et si, pour saisir Amarcord, il fallait conserver ensemble les deux termes de l'opposition ? Le texte du jour « J’ai l’impression que fascisme et adolescence continuent à être, dans une certaine, des étapes permanentes de notre vie en Italie : l’adolescence, celle de notre vie individuelle ; le fascisme, celle de notre vie nationale. Entretien de Federico Fellini par Valerio Riva au sujet d’Amarcord Extraits Lecture
Rétrospective : Federico Fellini - critikat.com - le site de critique de films En 1960, une statue du Christ traverse le ciel romain, passe au-dessus d’antiques aqueducs, portée par un hélicoptère : c’est la scène d’ouverture de La Dolce Vita. Palme d’or à Cannes, le film réinvente le cinéma et marque à jamais les esprits comme le vocabulaire, du titre lui-même à nos paparazzi contemporains, qui ont hérité leur nom de Paparazzo, le photographe du film, joué par Walter Santesso. Qui est Fellini ? Un « grand menteur », un « cantastorie » (une sorte de chanteur ambulant), aimait-il dire. I. On a coutume de dire que tous les chemins mènent à Rome. Le réalisme relatif Par là, il s’oppose certainement à Cesare Zavattini, journaliste critique de renom de l’après-guerre italienne, et théoricien du néoréalisme, qui le définit ainsi : «Le néoréalisme exige de nous que notre imagination s’exerce in loco, sur l’actuel, car les faits ne révèlent leur force imaginative naturelles que lorsqu’ils sont étudiés et approfondis. Du néoréalisme baroque La divinité de l’homme II. III.
Paradoxe coréen, par Jean-Michel Frodon (Le Monde diplomatique, mars 2019) En Corée, le cinéma naît alors que la péninsule vit sous occupation japonaise (depuis 1910). Il devient immédiatement un outil de résistance, investi surtout par des communistes. Na Un-gyu signe en 1926 le premier film connu (mais perdu), Arirang. À l’issue de la guerre, le Sud est une dictature directement inféodée aux États-Unis, qui assureront son essor économique en même temps que l’écrasement brutal de toute opposition. À partir de la fin des années 1950 se développe une importante industrie qui produit, à la chaîne et à la va-vite, pour tenir la règle du « deux pour un », des films (mélodrames, policiers, aventures « historiques », films de guerre…) souvent appelés quota quickies (1), d’une médiocrité prévisible. Il n’empêche : presque mécaniquement, la quantité finit par engendrer, parfois, la qualité, et les premiers noms de cinéastes notables apparaissent. Le cinéma de cette période est dominé sur le plan artistique par cinq auteurs majeurs.
“The Irishman” sur Netflix : on a classé tous les films de Martin Scorsese du moins bon au meilleur - Cinéma L’arrivée sur Netflix mercredi 27 novembre de The Irishman, son nouveau film inédit aux allures de testament, est une invitation à revisiter l’œuvre foisonnante de Martin Scorsese, depuis ses débuts, en 1967, jusqu’à aujourd’hui. Établir une hiérarchie entre ses nombreuses et diverses réalisations a relevé du casse-tête : comme vous allez pouvoir le constater dans notre classement, le réalisateur de Taxi Driver et After Hours a rarement failli. Pour y parvenir, nous avons choisi de nous limiter aux longs métrages. Pas de The Big Shave (1967), son court métrage gore et puissamment allégorique sur la guerre du Vietnam, donc. Ni de séries, même si les époustouflants pilotes de Boardwalk Empire (2010) et de Vinyl (2016) sont du niveau de ses plus belles réussites au cinéma. Alors, quels sont les meilleurs films de Martin Scorsese ? La Couleur de l’argent Shine a Light 2008Scorsese se jette dans la fosse pour dresser un portrait des Stones lors d’un concert au Beacon Theatre de New York.
David Lynch : un voyage au cœur de l’inconscient humain – Salles Obscures Ce genre de feu, il est très difficile de l’éteindre. Les tendres rameaux brûlent les premiers. Puis le vent se lève, et toute bonté est alors en péril. Twin Peaks : Fire Walk With Me Surnommé le « premier surréaliste populaire » par Pauline Kael, David Lynch est certainement le réalisateur américain le plus influent de ces 20 à 30 dernières années. Jeunesse David Lynch naît le 20 janvier 1946 dans l’État du Montana. Pourquoi s’est-il intéressé au cinéma ? Carrière La carrière de Lynch en tant que réalisateur de longs-métrages commence à partir d’Eraserhead, probablement son film le plus difficile à regarder. Influences artistiques Il faut maintenant aborder ses différentes influences artistiques. On peut aussi citer l’influence d’Edward Hopper. Il s’est aussi beaucoup inspiré du cinéma expressionniste. Pour ce qui est des influences cinématographiques, David Lynch a surtout puisé son inspiration dans le cinéma européen notamment celui de Federico Fellini et de Jacques Tati. Thématiques