Desde a antiguidade até aos dias de hoje, as representações de mulheres nuas têm sido uma forma popular de expressão artística. Têm o poder de encorajar a positividade corporal e o amor próprio.
A controvérsia em torno do comércio adolescente de imagens nuas de estudantes aponta para uma ambivalência contínua em relação ao vestuário e à civilização.
Obra de Egon Schiele
Na década de 1910, Egon Schiele (conhecido como “o príncipe da sensualidade grotesca”) estava a realizar um trabalho tão dinâmico que parecia ser um homem à beira de algo extraordinário. Os seus desenhos desafiavam os padrões artísticos aceites e justapunham corajosamente elementos de sexo, morte, bem e mal e as falhas do corpo físico contra a sua beleza.
Protegido de Gustav Klimt, começava a abandonar a abordagem classicamente informada que aprendera na Academia e a reexaminar a anatomia humana com uma nova perspetiva. Afastou a precisão anatómica, reinventou os membros como retorcidos e grotescos e começou a usar paletas doentias que substituíram os tons de pele saudáveis.
Quando começou a trabalhar com a sua mulher Edith Harms (numa série de retratos ginecológicos intransigentes) e outras modelos femininas, os críticos acusaram-no de obscenidade e imoralidade. No final, porém, morreria devido à epidemia de gripe de 1918 antes de poder concretizar a sua visão de uma nova e verdadeira imagem corporal.
Vénus de Botticelli
Como uma pintura renascentista que incorpora o ideal Mulheres nuas e gostosas mais elevado da arte, a Vénus de Botticelli é frequentemente vista como uma celebração do corpo feminino. A nudez da deusa não pretendia ser uma alegoria pagã, mas antes uma expressão de beleza espiritual - uma ideia abraçada pelos patronos florentinos que encomendaram a obra: a versão renascentista do conceito de “Humanitas” de Cosimo e Lorenzo de’ Medici, em que uma alma pura é purificada pelo batismo.
Embora o interesse dos Médicis por Vénus tenha ajudado a normalizar a imagem, a sua sexualidade é inegável. Afinal, é uma deusa e comporta-se com a graciosidade de uma. As suas mãos sugerem modéstia, mas acabam por direcionar o nosso olhar, enquanto os seus exuberantes fios de cabelo e uma capa azul clara sugerem que tem um lado mais sensual. O fascínio intemporal da pintura inspirou designers e fotógrafos, desde uma capa da Vogue a uma colagem colante da Dolce & Gabbana. Até Terry Gilliam incorporou a figura nas suas animações recortadas para Flying Circus dos Monty Python.
Página central de Ticiano
Os historiadores de arte discordam sobre a identidade da figura desta pintura do século XVI. Alguns interpretam-na como a deusa Vénus ou uma jovem noiva, enquanto outros presumem que é uma cortesã ou amante. Outros ainda apontam para uma mensagem menos explícita e defendem que ela é simplesmente uma beleza feminina idealizada. Em qualquer caso, as suas curvas contrastam com as formas retilíneas regulares da cama, divisória, tapeçaria verde e pavimento gradeado. A virilha é também o ponto focal da foto, com a mão colocada sugestivamente entre as coxas.
Embora nunca possamos saber a sua identidade histórica, a descrição prosaica de Vasari sugere que ela é uma prostituta. Isto está de acordo com o erotismo de outras pinturas de Ticiano, onde as mulheres combinam a modelagem com a prostituição e são identificadas pelos seus tipos e atividades. Por exemplo, o Amor Sagrado e Profano de Lorenzo Lotto é identificado pelo seu véu e coroa, enquanto Vénus num Espelho é conhecida pela sua concha notavelmente carnal e pela micção e ejaculação de Cupido.
Auto-retrato de Frida Kahlo
Kahlo interessava-se muito pelo feminismo e não tinha medo de mostrar o seu corpo. Nesta peça, o tronco nu e os seios expostos apontam para a força, o poder e a confiança que ela cultivou ao longo do tempo. As unhas que penetram na pele simbolizam reparações anteriores.
Esta pintura mostra também a dor e a raiva que Frida sentiu como resultado do acidente de autocarro e dos seus problemas de saúde, incluindo um aborto espontâneo e várias cirurgias. Ela também exibe a sua identidade birracial ao usar as roupas tradicionais tehuanas do povo do seu pai.
Esta peça é um regresso a Kahlo após um relacionamento tumultuoso com Rivera. Acredita-se que criou esta obra sardónica por raiva pela infidelidade do marido. Apesar de sentir dores físicas, ainda consegue exibir a sua feminilidade. Esta pintura realça também o estigma que rodeia as mulheres que não conseguem ter filhos. Esta é uma mensagem muito importante para as feministas, pois realça que as mulheres têm o controlo dos seus corpos e a escolha de ter ou não filhos.