Cindy Sherman Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Sherman. Cindy Sherman (née le à New York) est une artiste et photographe américaine, liée à l'art contemporain. Elle est connue pour ses séries d'autoportraits. Son œuvre, reconnue à l'échelle mondiale, en fait l'une des pionnières de la photographie postmoderne. Elle vit et travaille à New York. Biographie[modifier | modifier le code] Cindy Sherman grandit à Huntington (Long Island) où ses parents ont déménagé peu après sa naissance. En 1979 a lieu sa première exposition personnelle à Hallwalls (en), espace d'exposition indépendant qu'elle a créé avec deux autres artistes qui sont ses condisciples universitaires[1] : Robert Longo et Charles Clough (en). En 2011, la marque de cosmétique M·A·C lui a proposé d'utiliser ses images pour ses publicités[2]. Œuvre[modifier | modifier le code] Cindy Sherman considère que ses photographies sont à comprendre comme de l'art conceptuel. Séries[modifier | modifier le code]
Les débuts de Cindy Sherman Cindy Sherman, Murder Mystery, 1976 English translation [Toutes les images proviennent d'Internet : voir en bas de l'article] Une fois passés les très chics éphèbes gardiens à l’entrée, une fois évacuée promptement la visite des premières salles du Musée (valises, sacs, etc.), on peut découvrir, au Musée Gucci de Florence (jusqu’au 9 juin) un petit bijou : les tout premiers travaux de Cindy Sherman, juste au moment où elle finit le collège, à 22 ans. Il y a là deux séries de photographies (tirages récents, l’original est perdu) en noir et blanc, en petits formats (25,4x20,3 cm) qui datent de 1976. Pour chacune, le protocole est déjà rigoureusement défini : rectangle tracé au mur (sur lequel, incongrues, apparaissent à un mètre de hauteur, deux prises électriques qui soulignent encore plus le côté domestique de l’affaire), marque au sol, éclairage frontal violent et Cindy Sherman, Bus Riders, 1976 La seconde série de photographies, Bus Riders, de la même année, est plus vivante, plus
Cindy Sherman : enfance d'une travestie A 10 ans, comme beaucoup d'enfants de son âge, Cindy Sherman commence un album photo. Mais sous chaque image, la fillette éprouve le besoin d'inscrire "c'est moi ", "c'est moi", "c'est moi", comme pour renforcer l'évidence. L'anecdote est amusante. Elle devient troublante quand on songe à l'oeuvre qui la rendra par la suite célèbre : des mises en scène où, pareille à un caméléon, la photographe refuse justement de dévoiler ce "moi" pour endosser divers rôles de femmes, pulvérisant la définition de l'identité. En 1975, à 21 ans, l'artiste a d'ailleurs retrouvé son vieil album photo, et l'a revisité à sa manière : elle y a collé de nouvelles photos d'elle et continué d'écrire en-dessous "c'est moi" en imitant l'écriture enfantine d'autrefois. Résultat : on ne sait plus qui parle désormais, l'enfant ou l'adulte, et encore moins de qui elle parle - le "moi" ainsi répété se dérobe à l'infini. On doit à la Verbund AG, compagnie d'électricité autrichienne, et à sa vaste collectio...
Wayne Miller, Photographer Who Captured Black Chicago, Dies : The Picture Show Hide caption University of Chicago anthropologist St. Clair Drake (rear) entertains Bucklin Moon (front), an editor from Houghton-Mifflin publishers. (1946-48) Wayner Miller/Courtesy Of Paul Berlanga Hide caption Watching Dunbar vs. Phillips high school football game. (1946) Wayner Miller/Courtesy Of Paul Berlanga Wayner Miller/Courtesy Of Paul Berlanga Wayner Miller/Courtesy Of Paul Berlanga Pioneering photographer Wayne Miller, who captured some of the first images of the destruction of Hiroshima, died this week at the age of 94. An undated portrait of Miller, provided by his family Joan B. toggle caption Joan B. "I believe a level of intimacy has been lost," says Paul Berlanga, director of Chicago's Stephen Daiter Gallery, which has mounted an exhibition in memory of Miller. Wayne Miller was born in Chicago in 1918. One of his best-known wartime photos shows a wounded pilot being pulled from a fighter plane after it was shot down.
Home » David Zwirner Apollon et Daphné (Le Bernin) Apollon et Daphné est une sculpture du Bernin (1622-1625) conservée à la Galerie Borghèse à Rome. Histoire de l'œuvre[modifier | modifier le code] Description de l'œuvre[modifier | modifier le code] Il s'agit d'une sculpture faite de marbre entre les années 1622-1625, d’une hauteur de 243 cm conservée à la Galerie Borghèse à Rome. Le commanditaire est le cardinal Scipione Caffarelli-Borghese et fait partie d’un groupe de quatre statues. Le Bernin, à l'âge de vingt-quatre ans, commence cette œuvre en 1622 et la finit en 1625. Selon Ovide, la main d'Apollon pouvait toujours sentir battre son cœur. Mythe[modifier | modifier le code] « Le trait qui excite l'amour est doré ; la pointe en est aiguë et brillante : le trait qui repousse l'amour n'est armé que de plomb, et sa pointe est émoussée. » Alors qu'Apollon la poursuit, celle-ci, épuisée, demande à son père, le dieu fleuve Pénée, de lui venir en aide. Analyse[modifier | modifier le code] Influences[modifier | modifier le code]
Cindy Sherman Photo la plus chère du monde La photographie de Cindy Sherman est devenue la plus chère du monde, lors d’une vente organisée à New York par Christie’s. Cette image, appelé Untitled, de 1981, a été vendue près de 3,9 millions de dollars (2,77 millions d’euros) alors que son estimation de dépassait pas les 2 millions de dollars. La photographe Cindy Sherman avait vendu cette photographie 79.000 euros en 2007. Les infos de cette photographie : Artiste : Cindy Sherman Titre : Untitled Média : color coupler print Taille : 24 x 48 in. / 61 x 121,9 cm.
THÉO GOSSELIN FECAL FACE DOT COM Orlan*** Portrait de l'artiste en 2021. Mireille Porte, dite Orlan[1] (/ɔʁ.lɑ̃/), pseudonyme qu'elle écrit « ORLAN » en lettres capitales, est une plasticienne transmédia et féministe française, née le 30 mai 1947 à Saint-Étienne[2],[3],[4]. Elle vit et travaille entre Paris, New York et Los Angeles. Orlan explore également l'utilisation des nouvelles technologies dans le domaine des arts. Dans son travail de la fin des années 1990 et du début des années 2000, les Self-Hybridations, l'artiste, par le biais de la photographie numérique et des logiciels de retouches infographiques, hybride des visages de cultures différentes (amérindiens, pré-colombiens, africains)[5]. Orlan tente ensuite d'élargir encore les frontières de l'art contemporain en utilisant les biotechnologies pour créer une installation intitulée Manteau d'Arlequin, faite à partir de cellules de l'artiste et de cellules d'origines humaine et animale. Parallèlement, Orlan enseigne à l'École nationale supérieure d'arts de Cergy-Pontoise.
Triple autoportrait Rockwell Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Triple autoportrait (titre original en anglais, Triple Self-Portrait) est une illustration de couverture de magazine de Norman Rockwell, peinte à l'huile sur toile pour le numéro du Saturday Evening Post du 13 février 1960, à l'occasion de la parution de son autobiographie dont le magazine publiait les premières pages[1]. L'artiste utilise ici une mise en abyme, qui consiste à incruster dans une image cette image elle-même. Cette œuvre est comparée au tableau de Johannes Gumpp (1646), autre exemple notable de triple autoportrait[2]. Le tableau original fait partie des collections du Norman Rockwell Museum de Stockbridge. Description[modifier | modifier le code] Ce triple autoportrait servit d'illustration pour la couverture du Saturday Evening Post du 13 février 1960. Trois des quatre autoportraits reproduits par Rockwell Albrecht Dürer Autoportrait (1498) Rembrandt, Autoportrait (1652) Van Gogh, Portrait de l'artiste (1889) (en) Susan E.
PORTFOLIO LE CORPS DANS L’ŒUVRE Dossiers pédagogiques – Collections du Musée Parcours REPRÉSENTER LE CORPS Défigurer Fragmenter Hybrider LE CORPS À L'ŒUVRE Le corps en action Traces et empreintes Le trait et la pulsion Un espace du toucher LE CORPS SUPPORT DE L'ŒUVRE Le Body-art Changement d’identités CORPS ET EXPERIENCE DE L'ESPACE-TEMPS Traverser la couleur Éprouver la durée La menace d’effondrement au centre de la perception de l’œuvre L’expérience du labyrinthe Dépasser les limites apparentes de la perception Introduction La représentation du corps est intimement liée à l’art occidental, à tel point que certains critiques n’hésitent pas à soutenir que, même sous sa forme la plus abstraite, la peinture ne serait que représentation du corps. C’est un parcours des collections du Musée national d’art moderne, à l’enseigne des transformations de ce sujet majeur des arts plastiques au XXe siècle, que propose ce dossier. ReprÉsenter le corps DÉfigurer Pablo Picasso (1881-1973) Jean Dubuffet (1901-1985) Cette œuvre dérange. Revues